El ejercicio profesional de la danza implica un entrenamiento arduo equiparable al de los atletas de alto rendimiento. El cuerpo es llevado más allá de los rangos articulares, se modifica a nivel estructural y se somete a jornadas de trabajo exhaustivas. El dominio de estas disciplinas requiere de años de formación y se inicia a edades tempranas. La exigencia técnica y las expectativas estéticas dejan atrás a aspirantes y bailarines que llegan a retirarse prematuramente por lesiones, presiones que inciden en la salud mental o porque no consiguen el dominio del cuerpo que implica la danza escénica. 

El equilibrio corporal y psicológico son esenciales para sobrellevar el rigor que conlleva dedicarse a la danza. La estructura psíquica de los artistas del movimiento debe fortalecerse al mismo nivel que su cuerpo. Sólo con una voluntad férrea y con un adecuado cuidado de la salud, es posible lograr las proezas que demanda la profesión, además de encontrar una conexión profunda con emotividades que trasciendan lo físico. Y es que una vez que se logra llevar al movimiento más allá de su biomecánica, aparecen tonalidades expresivas etéreas que producen ilaciones místicas en el intérprete y el espectador. 

Estas consonancias hacen de la danza un arte sublime, cuya poesía está por encima de la forma, la dramaturgia o el virtuosismo. Un verdadero intérprete conmueve, esgrime el espacio con su energía, es capaz de comunicar lo inefable y genera estados que conducen al paroxismo. Un bailarín que sólo demuestra proezas o acrobacias, sin una comunión interna y un sentido comunicativo, sólo ejecuta. Algo similar pasa con las obras, una coreografía funciona cuando el contenido de su propuesta supera la forma de su estructura. Para que el fenómeno dancístico suceda, el movimiento debe estar al servicio del propósito narrativo de la obra, no importa si la pieza es concreta o abstracta, si hay una raíz discursiva auténtica, se percibirá un hilo invisible de congruencia entre el subtexto o la intención del autor y el lenguaje de movimiento. Con esta concordancia de forma y contenido, la experiencia sensorial puede atravesar e incluso transformar al espectador. 

La danza es una expresión que abstrae la realidad, aunque tenga la capacidad de contar historias o transmitir sensaciones, su esencia es simbólica. Se trata de un fenómeno ritual que reta a la realidad y comienza en donde terminan las palabras. Hay espectadores que buscan comprenderla desde la literalidad, pero ese tipo de explicaciones desvirtuarían su esencia. ¿Acaso intentamos comprender la música instrumental desde lo racional?, ¿nos preguntamos de qué se trata una melodía? En realidad, sólo nos dejamos permear sensitivamente, hasta que la sonoridad nos inunda más allá de lo consiente: así, recibimos su mensaje polisémico, a veces más contundente y explícito que lo textual. Lo mismo ocurre con el movimiento que se observa en la escena. Existen obras de danza que relatan dramaturgias preexistentes, pero aún en estos casos, en donde hay personajes, problemáticas y hechos concretos, el cuerpo que baila escapa de la explicación lingüística, prevalece un excedente de sentido únicamente equiparable al lirismo. 

Por esto, la creación de movimiento posee un rasgo poético que, al mismo tiempo, va acompañado de importantes responsabilidades. ¿Cómo mantener un balance adecuado entre forma y contenido, entre dramaturgia y metáfora, entre lo virtuoso o lo hierático? ¿Cómo preservar la belleza sin corromper la nitidez del discurso? ¿Qué aspectos estéticos y discursivos ponderan en una composición coreográfica para que su sentido artístico trascienda? La danza es una profesión demandante, un acto sacrificial, en el que el cuerpo se entrega a la creación, cuando el espíritu y el cuerpo del danzante se sincronizan y bailan a dueto, se produce un fenómeno sagrado. Esculpiendo en el vacío se comunica lo inefable.  

El equilibrio corporal y psicológico son esenciales para sobrellevar el rigor que conlleva dedicarse a la danza.